Estreno de "Ignacio de Loyola": soldado, pecador, santo

(JUAN JESÚS DE CÓZAR).- El 1 de abril de 1949 se estrenó en España El capitán de Loyola, una película sobre San Ignacio dirigida por José Díaz Morales y en cuyo guión intervino José Mª Pemán. Como no se conocen más largometrajes centrados en la vida del santo, es una buena noticia que el próximo 16 de junio -68 años después-  se estrene en nuestro país una cinta con un título directo y claro: “Ignacio de Loyola”.

Producido por la Jesuit Communications Foundation de Filipinas, el filme llega muy oportunamente a nuestras pantallas, porque responde a un creciente interés por conocer la vida de San Ignacio: de una parte, por su perdurable legado para la Iglesia y para el mundo; y quizá también por la llegada a la Cátedra de San Pedro de Francisco, el primer Papa jesuita. Ciertamente, vale la pena ofrecer a todo tipo de personas, y en especial a los jóvenes, la posibilidad de redescubrir la vida de este hombre que cambió el rumbo de Occidente.

“Ignacio de Loyola” narra la vida de un joven soldado, Íñigo, que se vio obligado a renunciar a su carrera militar tras resultar herido en batalla. Postrado en cama y dedicado a nuevas lecturas, lo que se presentaba entonces como una desgracia se tornó en un deseo ardiente de convertirse en santo. Desde entonces, el joven y pasional Loyola se encontrará inmerso en una nueva batalla: deberá enfrentarse con la incredulidad, experimentará el rechazo de sus más allegados y descubrirá la necesidad de luchar, por encima de todo, contra sí mismo.

Rodada entre Navarra y Filipinas, la película está interpretada por actores españoles, entre los que destaca un convincente Andreas Muñoz en el papel protagonista. El director, Paolo Dy, creció en una escuela fundada por los jesuitas y no esconde su gran admiración por San Ignacio: “Como cineasta de Filipinas, considero un honor que me hayan dado la oportunidad de contar la vida de uno de los grandes santos de la historia”, ha declarado.

Además de los preestrenos que tendrán lugar en distintas ciudades, “Ignacio de Loyola” tendrá su presentación más sonada en la Basílica de Loyola, donde contarán con la presencia del actor principal. (Aquí el listado de cines donde se proyecta el filme: www.peliculaignacioloyola.es/cines/)

15 películas para esta Semana Santa

La semana próxima -que, por tantos motivos, todo el mundo denomina Santa- será fecunda en representaciones de la Pasión: procesiones, obras teatrales, tradiciones centradas en la Cruz... Mil y un eventos artísticos inundarán las calles de nuestro país, mostrando a las claras lo mucho que la cultura cristiana ha calado en nuestra sociedad.

Hasta hace poco, la programación televisiva se mantenía en esa línea y procuraba recordar a los espectadores los acontecimientos que íbamos a celebrar. Últimamente, sin embargo, las parrillas de las cadenas se han distanciado un tanto de lo que conmemoramos en la Semana Santa. Y como, al haber más tiempo libre, muchas familias piensan en ver películas enriquecedoras, aptas para todos los públicos y que a la vez evoquen los acontecimientos de la Pasión, he pensado en publicar esta selección de películas que pueden encontrarse en cualquier video-club.

En otros lugares he publicado "Las 10 mejores películas sobre Jesús de Nazaret", "Las 100 películas más inspiradoras de la historia" o "Las 100 mejores películas católicas". Ahora propongo un elenco con 3 listados de filmes: 5 sobre la vida de Jesús, 5 sobre los primeros cristianos y 5 películas recientes con valores (en los cines o en DVD). Espero que os sirva para programar el cine de los próximos días. Y no dejéis de decirme cuáles son vuestras preferidas:

a) Vida de Jesús:

- Jesús de Nazaret (Italia, 1977), de F. Zeffirelli. Mini-serie en 4 capítulos. Todos.
- Jesús (Italia, 1999), de R. Young. Mini-serie en 2 capítulos. Para jóvenes.
- El hombre que hacía milagros (2000), de Derek W. Hayes y Stanislav Sokolov. Animación en 3-D. Para toda la familia, gustará mucho a los niños.
- La pasión de Cristo (USA, 2004), de Mel Gibson. Para jóvenes y mayores.
- Ben Hur (USA, 1959), de William Wyler. Un clásico de la Semana Santa, con dos breves apariciones de Jesús que transforman la vida de Judá Ben Hur.

b) Primeros cristianos:

- Resucitado (2016), de Kevyn Reynolds. EN CINES (con Tom Felton, Joseph Fiennes, Cliff Curtis, Peter Firth y Leonor Watling)
- Quo Vadis (1951), de Mervyn LeRoy (con Robert Taylor y Deborah Kerr)
- La túnica sagrada (1953), de Henry Koster (con Richard Burton y J. Simmons)
- Barrabás (1962), de Richard Fleischer (con Anthony Quinn y Vittorio Gassman)
- En busca de la tumba de Cristo (2007), de Guilio Base (con D. Liotti, Ornella Muti, F. Murray Abraham, Mónica Cruz y Max von Sydow)

c) Películas recientes con valores cristianos:

- Llena de gracia (2016), de Andrew Hyatt (Retrato intimista de los últimos años de la Virgen, cuando se convierte en apoyo de los Apóstoles y columna de la Iglesia)
- Poveda, (2016), de Pablo Moreno. (Emotivo retrato del Padre Poveda, el santo de los niños pobres)
- Francisco, el padre Jorge (2015), de Beda Docampo Feijóo (Primera biografía del Papa Francisco: sincera, deliciosa y emocionante)
- El navío (2016), de Julio Quintana (Historia de dolor, fe  y esperanza, interpretada por Martin Sheen, tras un tsunami arrase la escuela de una pequeña aldea)
- Un millón de hostias (2016) de David Moncasi (Documental sobre el único convento de La Habana. Sus monjas fabrican cada año un millón de obleas: una hermosa revolución estáempzando en Cuba)

15 películas para esta Semana Santa

La semana próxima -que, por tantos motivos, todo el mundo denomina Santa- será fecunda en representaciones de la Pasión: procesiones, obras teatrales, tradiciones centradas en la Cruz... Mil y un eventos artísticos inundarán las calles de nuestro país, mostrando a las claras lo mucho que la cultura cristiana ha calado en nuestra sociedad.

Hasta hace poco, la programación televisiva se mantenía en esa línea y procuraba recordar a los espectadores los acontecimientos que íbamos a celebrar. Últimamente, sin embargo, las parrillas de las cadenas se han distanciado un tanto de lo que conmemoramos en la Semana Santa. Y como, al haber más tiempo libre, muchas familias piensan en ver películas enriquecedoras, aptas para todos los públicos y que a la vez evoquen los acontecimientos de la Pasión, he pensado en publicar esta selección de películas que pueden encontrarse en cualquier video-club.

En otros lugares he publicado "Las 10 mejores películas sobre Jesús de Nazaret", "Las 100 películas más inspiradoras de la historia" o "Las 100 mejores películas católicas". Ahora propongo un elenco con 3 listados de filmes: 5 sobre la vida de Jesús, 5 sobre los primeros cristianos y 5 películas recientes con valores (en los cines o en DVD). Espero que os sirva para programar el cine de los próximos días. Y no dejéis de decirme cuáles son vuestras preferidas:

a) Vida de Jesús:

- Jesús de Nazaret (Italia, 1977), de F. Zeffirelli. Mini-serie en 4 capítulos. Todos.
- Jesús (Italia, 1999), de R. Young. Mini-serie en 2 capítulos. Para jóvenes.
- El hombre que hacía milagros (2000), de Derek W. Hayes y Stanislav Sokolov. Animación en 3-D. Para toda la familia, gustará mucho a los niños.
- La pasión de Cristo (USA, 2004), de Mel Gibson. Para jóvenes y mayores.
- Ben Hur (USA, 1959), de William Wyler. Un clásico de la Semana Santa, con dos breves apariciones de Jesús que transforman la vida de Judá Ben Hur.

b) Primeros cristianos:

- Resucitado (2016), de Kevyn Reynolds. EN CINES (con Tom Felton, Joseph Fiennes, Cliff Curtis, Peter Firth y Leonor Watling)
- Quo Vadis (1951), de Mervyn LeRoy (con Robert Taylor y Deborah Kerr)
- La túnica sagrada (1953), de Henry Koster (con Richard Burton y J. Simmons)
- Barrabás (1962), de Richard Fleischer (con Anthony Quinn y Vittorio Gassman)
- En busca de la tumba de Cristo (2007), de Guilio Base (con D. Liotti, Ornella Muti, F. Murray Abraham, Mónica Cruz y Max von Sydow)

c) Películas recientes con valores cristianos:

- Poveda, (2016), de Pablo Moreno. EN CINES (Emotivo retrato del Padre Poveda, el santo de los niños pobres)
- El coro (2015), de François Girard (Historia de aprendizaje y superación, de redención y persón en el marco de la música y de la familia)
- Francisco, el padre Jorge (2015), de Beda Docampo Feijóo (Primera biografía del Papa Francisco: sincera, deliciosa y emocionante)
- Del revés (2015), de Disney-Pixar (Película de animación, que explica el papel de las emociones y los valores en nuestra mente y en nuestra conducta)
- Quédate conmigo (2014), de Michael McGowan (Preciosa historia de amor y entrega en la tercera edad, que se pone a prueba en la enfermedad)

Los 25 años de "Despertares"

(JUAN JESÚS DE CÓZAR) El final de la década de 1980 estuvo marcado por varias tendencias cinematográficas. Una de ellas fue la irrupción de una serie de películas cuyos protagonistas resultaban ser personas disminuidas física o psíquicamente. Recuérdese, por ejemplo, Hijos de un dios menor (1986), protagonizada por una sordomuda; Rain man (1988), en la que Dustin Hoffman encarna el papel de un autista; o Mi pie izquierdo (1989), con Daniel Day Lewis interpretando a un paralítico cerebral.

Durante los años 90 se siguió cultivando un género que conectaba bien con el público, sensible a la atención de las personas con discapacidad. Una de las primeras muestras fue Despertares (1990), que llegó a ser candidata al Oscar a la mejor película.

Han pasado 25 años desde su estreno y Despertares sigue conservando la capacidad de emocionar al espectador como lo hizo en 1990. Como es frecuente en este tipo de filmes, su argumento está basado en hechos reales que el neurólogo norteamericano Oliver Sacks recogió en un relato autobiográfico del mismo título. Por delicadeza, los nombres de las personas en la vida real se sustituyeron por otros de ficción. El encargado de realizar la adaptación cinematográfica fue el entonces poco conocido Steven Zaillian, que logró su nominación al Oscar por este guión y que lo conseguiría más tarde con el que escribió para La lista de Schindler. Por su parte, Penny Marshall asumió la dirección.

Verano de 1969. Malcolm Sayer (Robin Williams), un médico tímido y poco sociable, es contratado por un hospital de Nueva York para cubrir una vacante. A pesar de su falta de experiencia clínica ‑es un investigador nato‑ no le falta sensibilidad y humanidad en el trato con los enfermos. Con gran empeño y con la ayuda de Eleanor (Julle Kavner), una inteligente y responsable enfermera, consigue “despertar” a una serie de pacientes del hospital, que sufrieron en los años 20 una encefalitis letárgica y que desde entonces se encontraban como ausentes: son niños que se quedaron dormidos, afirmará un veterano médico que conoció muchos casos. La administración a estas personas de la L-Dopa, una droga empleada contra el Parkinson, fue la clave para este regreso a la vida.

A partir de aquí el film se centra en Leonard Lowe (Robert de Niro), enfermo desde los 11 años, y en sus relaciones con el doctor Sayer. Los diálogos entre ellos están llenos de emoción y sinceridad. Sayer encuentra en el discapacitado Leonard un amigo a quien confiarse y una ayuda para resolver su problema de incomunicación. Especialmente sugerente resulta la escena en la que Leonard despierta de madrugada al doctor Sayer para transmitirle su entusiasmo: “La gente se ha olvidado de lo que es la vida ‑le dice Leonard‑; han olvidado el milagro de estar vivo. Necesitan que se lo digan. Necesitan que alguien les recuerde lo que tienen y lo que pueden perder. Necesitan que les hablen de la alegría de vivir, del don de la vida, de la libertad de vivir, de la maravilla de la vida”.

Robert de Niro borda su papel, que también mereció su nominación al Oscar. Robin Williams no le va a la zaga y el duelo interpretativo entre ambos es magnífico. A esto se añade una bella fotografía de Miroslav Ondricek y una preciosa banda sonora de Randy Newman, salpicada de temas de diversas épocas. La realización de Penny Marshall es algo efectista, pero eficaz, sabiendo no alargar los momentos de ternura y manteniendo una gran fluidez narrativa.

Película simpática y positiva, que transmite el optimismo del que ha aprendido ‑como acaba diciendo el doctor Sayer‑ “que el espíritu humano es más poderoso que cualquier droga y que eso es lo que debemos alimentar, con trabajo, ocio, amistad y familia, que son las cosas importantes, las que teníamos olvidadas, las más sencillas”.

"Marte", de Ridley Scott: 'Bring him home'

Al poco de ver Marte hice un comentario que ahora rescato: es lo mejor de Ridley Scott desde Black Hawk derribado (2002). Ambas son películas de supervivencia, como lo fue Alien, la obra maestra del director británico de 77 años.

Porque lo que nos mantiene interesados durante 144 minutos es cómo sobrevivirá el astronauta Mark Watney, el primero que pisó Marte y que parece condenado a ser el primero en morir allí, en ese planeta rojo con montañas de 21 kilómetros de altura y temperaturas entre los 6 y los 90 grados bajo cero, que se ha recreado de manera impactante en Jordania y Bulgaria.

Cine de aventuras del bueno es lo que ha logrado Scott después de casi cuatro décadas y 23 largometrajes. Tras un comienzo espectacular (Los duelistas, Alien, Blade Runner) hubo de todo: cine normalito, bodrios populacheros y megalómanos, dos o tres películas de buen nivel y una apañada de romanos, Gladiator, que se llevó cinco Oscar en 2000 y me sigue pareciendo más hábil que buena; un caso parecido a Braveheart. Gibson y Scott tienen películas infinitamente mejores.

En Marte, con un guion estupendo de Drew Goddard que parte de una gran novela de Andy Weir -en la que, por cierto, hay menos “errores científicos”: esa tormenta de arena… ejem, ejem, ¿en Marte?-, Scott recupera algo que tenía perdido desde hace 15 años: el tempo narrativo. Logra una película coral en la que se equilibra la soledad de un hombre que no se da por vencido con el trabajo de centenares de personas que llevan años trabajando para que la aventura espacial tenga un final feliz.

Matt Damon saca adelante su personaje con una inteligencia enorme, sin muecas ni estupideces: es un actor soberbio. El casting realizado por Carmen Cuba y Nina Gold es excelente, y los actores que dan vida a los compañeros de Watney y al personal de la NASA hacen un trabajo muy afinado.

Scott es un tipo muy experimentado y ha sabido ver que el guion del productor y escritor de series como Daredevil, Perdidos y Alias, y de películas truncadas como Monstruoso y Guerra Mundial Z tenía cimientos para levantar una odisea espacial que valiese la pena, teniendo en cuenta que el asunto ya lo habían abordado con talento gente como Cuarón, Howard y Kubrick.

Marte es de esas películas que llenarán las salas. En buena medida porque Ridley Scott, para bien y para mal, es un excelente vendedor. No en vano, si algo define su estilo como director de cine es el uso que hace del lenguaje publicitario. Y aquí lo que había que vender es ese “traedle a casa” del lema promocional. Un retrato de la NASA que si tuviesen que pagarlo como campaña para captar recursos, costaría una fortuna.

Alberto Fijo
Fila Siete

"El Maestro": Nunca es demasiado tarde

Cuando se estrena en la gran pantalla una película que procede de una serie para la televisión, parece obligado que el crítico incluya en su reseña frases como “no puede ocultar su condición de producto televisivo” o “desprende un tufillo a telefilme”, o alguna otra equivalente. Expresiones peyorativas que se han convertido en lugares comunes y en recursos fáciles, porque actualmente se realizan series con igual o mayor calidad que muchos largometrajes.

El Maestro (Giacomo Campiotti, 2014) tiene su origen en una miniserie de dos capítulos producida por la RAI, con una duración total de 200 minutos. Su presupuesto, 4 generosos millones de euros. En Italia existe una larga tradición de este tipo de series, que suelen conquistar a una audiencia de unos 6-8 millones de espectadores por capítulo. En este caso, además, ambas partes se han rodado con la previsión de que puedan ser emitidas de forma independiente, circunstancia que ha facilitado el estreno de la primera mitad en las salas de cine de nuestro país.

El filme se inspira en la vida de Alberto Manzi, un profesor muy reconocido en Italia por su labor educativa y docente. La acción se sitúa en 1946, cuando Manzi acaba de regresar de la guerra y está buscando trabajo como maestro; una tarea nada fácil para alguien que no cuenta con recomendación alguna. Finalmente consigue un empleo que nadie acepta: enseñar a los niños y jóvenes de un reformatorio de la ciudad. Aunque se trata de unos alumnos difíciles que no tienen interés por aprender, el maestro logra ganarse poco a poco su confianza -no sin gran esfuerzo‑ y ellos acaban por confiarle sus sueños y sus verdaderas historias.

Se suele decir que dirigir niños y adolescentes es de las tareas más complicadas para un realizador -quizá otro lugar común‑, pero Campiotti acumula una amplia experiencia en este apartado, como lo demuestra su buena labor en Prefiero el paraíso (2010) o en Blanca como la nieve, roja como la sangre (2013). En esta ocasión también sale airoso, y consigue arrancar unas actuaciones naturales y simpáticas a los más jóvenes, muy bien arropados por Claudio Santamaria en el papel de Manzi.

La cuidada ambientación -calles, automóviles de época, vestuario…‑, una emotiva banda sonora de Stefano Lentini y la fotografía en tonos sepia de Fabrizio Lucci, contribuyen a la credibilidad de la cinta, que quiere ser también un homenaje a Alberto Manzi (Roma, 1924-Pitigliano, 1997). Profesor de escuela, escritor y presentador de la televisión italiana, Manzi es conocido sobre todo por conducir el programa Non è mai troppo tardi (Nunca es demasiado tarde), retransmitido entre los años 1959 y 1968. Se estima que casi millón y medio de espectadores fueron capaces de conseguir conocimientos similares a los adquiridos en la enseñanza primaria, a través de sus innovadoras clases de aprendizaje a distancia. También publicó varias novelas, entre ellas la famosa Orzowei (1955), que dio pie a una serie televisiva para niños.

Con motivo de su estreno en Italia, Giacomo Campiotti, el director de la película, declaró: “Contar la historia del maestro Manzi es importante no solo para recordar a un gran hombre, sino también para poner en el centro de atención, en este momento dramático, la importancia de la escuela y de la educación de los chicos, como base necesaria para la supervivencia de una convivencia social civilizada. Alberto Manzi es un maestro que no enseña nociones a los niños: les enseña a pensar. Trabaja con ellos para formar hombres libres, capaces de decisiones libres. Para lograrlo, lucha con tenacidad contra cada obstáculo: la ignorancia y la pereza de cada uno, o el embotamiento de las grandes instituciones. Pero nunca se rinde y nunca encuentra excusas para renunciar a hacer todo lo que puede”.

Juan Jesús de Cózar
Fila Siete

"Atrapa la bandera": la mejor cinta de animación

Estrenada el 28 de agosto, Atrapa la bandera está levantando oleadas de entusiasmo entre los espectadores y llenando las arcas de la taquilla española. Con un arranque espectacular el pasado fin de semana, ganó aún más fuerza el miércoles, día del espectador, cuando acumulaba 3 millones de euros. Ya entonces –queda por saber lo que recaudará este fin de semana- se situaba como la tercera producción española más vista del año.

De continuar la excelente promoción “boca a boca”, habrá éxito para rato. Además, durante todo el mes de septiembre no hay ningún estreno de animación programado, por lo que este filme familiar tiene un largo recorrido por delante y puede convertirse en uno de los grandes éxitos del cine español de 2015. Entre otras cosas, ha sido la primera película española que se ha estrenado en la NASA, y lo ha hecho con un éxito “astronómico”.

A mí todo esto me llena de alegría y de orgullo, porque su equipo de producción –que ya mostró su talento en Las aventuras de Tadeo Jones- incluye a un buen grupo de antiguos alumnos míos, cuando daba clase en la Universidad de Navarra: Jordi Gasull es productor y guionista del filme, y en la escritura del guión han colaborado también Patxi Amezcua y Javier López Barreira.

Por otra parte, los artículos que se han publicado en estos días son particularmente elogiosos (en El País, La Vanguardia o El Mundo), también los que escriben algunos padres y madres que han ido a ver la cinta. Entre todas las reseñas, destaco ésta de Alberto Fijo ("De la playa a la luna") para Fila Siete. Os animo sinceramente que vayáis a verla en familia.

De la playa a la luna

El equipo liderado por Enrique Gato demuestra con esta película que tiene oficio y pericia para hacer muy buen cine de animación y contar historias que puedan gustar en España y también en otros países, aunque no sean de habla hispana.

Después del gran éxito obtenido con Las aventuras de Tadeo Jones, con un héroe hispano que viajaba a una aventura con el modelo del personaje de Spielberg como divertida referencia, la propuesta es nada menos que una historia de ajustes familiares con la carrera espacial como eje de giro.

Hay audacia en el guión de Gasull, López Barreira y Landau porque la película conjuga la aventura, la acción espectacular y el conflicto generacional trenzado con la pasión por el espacio y los vuelos tripulados. Y todo, con gracia, amenidad y una puesta en escena excelente.

Los autores son conscientes de que no inventan la pólvora y también saben que los espectadores tienen muchas películas vistas. Otros se habrían entregado a la parodia y a una ristra de situaciones calcadas de los distintos géneros que se dan cita en Atrapa la bandera.

Gato y compañía levantan su historia sin complejos, con una soltura llamativa y un sentido del ritmo envidiable.Los personajes están bien dibujados e interactúan bien: las tres generaciones de la familia Goldwing, los pequeños amigos de Mike -Amy y Marty- y el malvado Carson.

La película, por su tema y por la calidad en video y audio del relato, pide la pantalla grande y gustará a un público muy amplio, cosa difícil de lograr.

Alberto Fijo

Estrenos: "Todo saldrá bien", "Ghadi" y "Unos días para recordar"

Todo saldrá bien
Director: Wim Wenders. Guion: Bjørn Olaf Johannessen. Intérpretes: James Franco, Rachel McAdams, Charlotte Gainsbourg, Marie-Josée Croze, Julia Sarah Stone, Patrick Bauchau, Robert Naylor, Lilah Fitzgerald, Jack Fulton.- 118 min. Jóvenes-Adultos.

Un día de nieve, un joven escritor atropella a un niño. Muchos años después, el fantasma de aquel accidente persigue al autor encerrado en un bloqueo existencial y artístico que le impide no solamente publicar sino relacionarse con quienes, hasta ese momento, formaban parte de su vida.
Se esperaba mucho de la vuelta del veterano cineasta alemán Win Wenders, que llevaba siete años dedicado a rodar documentales (casi todos ellos magníficos). Sin embargo, Todo saldrá bien es una borrón en la valiosa filmografía de Wenders. Después de un prometedor arranque (esos paisajes nevados y ese accidente contado en dos tiempos: espeluznante la elipsis del segundo tiempo), la narración empieza a girar sobre sí misma o, lo que es peor, sobre James Franco. Es cierto que, parte del problema de Todo saldrá bien es pretender que un actor tan limitado pueda sostener un drama fundamentalmente psicológico. Pero la culpa no es solo de Franco. Su personaje es errático, pero también lo es el interpretado por Charlotte Gainsbourg (y aquí no hay un problema de falta de talento). Y es errático el guion, que fluye (aunque aquí fluir es un verbo demasiado generoso) entre silencios, miradas supuestamente reveladoras, sucesos caprichosos e inverosímiles y líneas de diálogo que pretenden ser trascendentes y se quedan en frases impostadas y artificiales, cuando no ridículas. Los maestros también patinan. Y esta película es solo un ejemplo de esta evidencia. (Ana Sánchez de la Nieta)

Ghadi
Director: Amin Dora. Guion: Georges Khabbaz. Intérpretes: Georges Khabbaz, Lara Rain, Emmanuel Khairallah, Camille Salameh, Rodrigue Sleiman, Samir Youssef, Caroline Labaki, Tarek Bacha.- 100 min. Jóvenes.

Leba es un profesor de música que lleva toda su vida en Mshakkal, popular barrio cristiano de la ciudad costera de Batroun, en Líbano. Allí se educó, allí se casó con Lara —una bella profesora de literatura francesa— y allí viven ambos felizmente con sus dos hijas. Cuando nace su primer hijo varón, Ghadi, que padece síndrome de Down, lo acogen como un regalo del cielo. Pero los vecinos no opinan lo mismo, pues Ghadi se pasa el día cantando y berreando. Cuando la situación parece insostenible, a Leba se le ocurre una solución… angelical.
Con esta fábula moral, el libanés Amin Dora debuta brillantemente, articulando una ágil y emotiva tragicomedia, cuyos personajes derrochan humanidad, y en la que su luminosa celebración de toda vida humana –de nítida inspiración cristiana– se completa con una lúcida crítica al individualismo materialista e insolidario. Dora dice lo que piensa sin complejos ni subrayados moralizantes, encarnando sus ideas en los personajes con veracidad, respeto y un sentido del humor muy oxigenante. Una gratísima sorpresa, en definitiva, culta y popular a la vez, rotunda en su defensa de la dignidad de cualquier ser humano. (Jerónimo José Martín).

Unos días para recordar
Director: Jean Becker. Guion: Jean Becker, Jean-Loup Dabadie. Intérpretes: Gérard Lanvin, Fred Testot, Jean-Pierre Darroussin, Swann Arlaud, Daniel Guichard, Anne-Sophie Lapix, Claudia Tagbo, Philippe Rebbot, Mona Jabeur.- 81 min. Jóvenes. (D)

París: un hombre cae al Sena, un joven se lanza a salvarlo. Más tarde, en el hospital, obligado a guardar cama, descubrimos a Pierre, un sesentón, solitario y cascarrabias cuyo único deseo es marcharse –no le dejan– y que le dejen en paz, ya que todo el hospital parece conspirar por entrar en su habitación. Obligado a permanecer inmóvil varias semanas, Pierre va a aprender a conocerse y a tratar a los demás.
Jean Becker es autor de Conversaciones con mi jardinero y otras cintas sobre personas normales, próximas al espectador, que quieren ser felices y descubren que para ello deben preocuparse de los demás. En Unos días para recordar Becker vuelve a conseguir esa mirada humana, que llega al corazón de los personajes y es capaz de pasar por alto sus evidentes defectos, y cobrarles afecto. Pierre descubre que no debe juzgar, sino aceptar a la gente como es, y dar. (Fernando Gil-Delgado).

(Reseñas tomadas de la web Aceprensa)

"Del revés", de Pixar: El valor de las emociones

Tras una serie de películas que se alejaban del nivel al que nos tenían acostumbrado, Del revés (Inside Out) ha vuelto a traspasar las fronteras de la animación conocida y ha devuelto a Pixar al lugar de prestigio que tenía.

Dirigida por Peter Docter (Monstruos S.A., Up), nos cuenta la historia de Riley, una joven de 12 años, a través de las emociones que hay en su cabeza: Alegría, Tristeza, Miedo, Rabia y Asco (cuestionable traducción de Disgust, de la versión original). Riley, junto a sus padres, tienen que mudarse por problemas laborales y eso sirve de detonante/conflicto para que las experiencias nuevas que vaya viviendo pongan a prueba a sus cinco emociones, que son las verdaderas protagonistas. Con una creatividad propia solo de grandes maestros, Del Revés se introduce en la mente de los tres miembros de la familia mostrándonos quiénes son y por qué hace lo que hacen. En este caso, centrada en la mente de una pre-adolescente con sus conflictos, sueños, y recuerdos significativos de su infancia.

¿Hay alguien todavía que al ver una película de animación (con dibujos animados) piense que es sólo para niños y que no puede atrapar también al adulto? Toda buena película de animación, como casi todas las de Pixar, presenta una doble lectura: una primera, más obvia para niños, pero también hay una mirada adulta para todos aquellos que quieran encontrarla…

Quién no se ha divertido con los juguetes más famosos del cine (trilogía de Toy Story), a la vez que reflexionaba sobre la pertenencia, las etapas de la vida y la necesidad de una compañía humana; quién no se ha conmovido durante los primeros minutos de Up, una de las mejores aperturas de la historia del cine; quién no ha recuperado la capacidad de asombrarse y vibrar, al vivir la aventura de Monstruos S.A.; y quién no ha mirado con positividad, creatividad y hermosa curiosidad cualquier circunstancia gracias a Remy y a la maravillosa Ratatouille. Por ejemplo.

Del revés, sigue esta línea de doble lectura, aunque quizás, como le pasaba a Wall-e, sea menos apta para la comprensión de los más pequeños y puedan perderse a ratos en un laberinto bellamente construido. Para poder abordar este proyecto de gran envergadura han tocado y desarrollado temas como: la psicología masculina y femenina, el riesgo que implica vivir de la abstracción que nos lleva a confundir hechos con opiniones, la importancia de la sinceridad a un tú para poder pensar libremente (moral: una relación sincera ante un tú con el que cambio), la necesidad de vínculos para formar nuestra identidad o la dignidad de una cierta tristeza para descubrir nuestra misión y vocación en la vida. Y todo eso con una mirada alegre por la vida, nada psicologicista, que afirma y ensalza la familia como lugar privilegiado para todo. ¿Se puede encontrar todo eso en una película para niños? Sí, todo eso y mucho más.

En definitiva, una película apta para toda la familia que expresa con sabiduría, inteligente sentido del humor y gran originalidad la psique humana, y abre caminos interesantes que indican una nueva saga que dará mucho que hablar. Del revés debería ser una de las películas del año y alcanzar mucho más que el Oscar a la mejor película de animación…

Pixar ha recordado que las películas son experiencias que impulsan el cambio. Y hoy, como otras muchas veces en la historia, estamos hambrientos de una palabra distinta de crisis. Todas estas indignaciones, lamentos y frustraciones, quejas y olvidos, gritos y silencios ahogados, culminan, si somos serios, con una mirada hacia dentro… Pixar nos indica que así no, que mejor… Del revés.

Carlos Aguilera
Pantalla 90

“Mandarinas”, el filme que merecía el Oscar

Al final se lo llevó “Ida”, la multipremiada cinta polaca de Pawel Pawlikowski. Me refiero al Oscar al mejor film de habla no inglesa, al que también aspiraba “Mandarinas” (Mandariinid, 2013), una producción escrita y dirigida por el estonio Zaza Urushadze que se estrenó en España el viernes 30 de abril.

Si “Ida” es cine mayúsculo, con una soberbia fotografía en blanco y negro, “Mandarinas” me parece una película aún más valiosa, de mayor alcance, a pesar de su aparente modestia. Su línea argumental es sencilla, pero los diálogos y –sobre todo– la actitud del personaje principal, provocan en el espectador una honda reflexión sobre el sinsentido de la guerra y, en general, sobre el de cualquier conflicto que degenere en violencia.

Para que el lector se haga cargo de la historia que narra, conviene recordar que, tras la disolución de la URSS, Georgia declaró su independencia en 1991 y consideraba a Abjasia como república autónoma perteneciente a su país. Sin embargo, Rusia defendía la condición de Abjasia como estado independiente. El conflicto de intereses derivó en la guerra abjasio-georgiana de 1992, momento en el que se sitúa la acción de “Mandarinas”, que comienza con la inserción del siguiente texto: “En la segunda mitad del siglo XIX, en Abjasia se establecieron aldeas estonias. La guerra abjasio-georgiana, que comenzó en 1992, alteró la apacible vida de los habitantes estonios. La mayoría de ellos decidió regresar a su patria histórica. Sus aldeas quedaron vacías. Sólo unos pocos permanecieron”.




Ivo (Lembit Ulfsak) es uno de esos estonios que decidió quedarse. Ebanista y hombre de una calma proverbial, le vemos fabricar cajas de madera para ayudar a su amigo y vecino Margus (Elmo Nüganena), que ha resuelto regresar a Estonia después de recoger y vender la cosecha de mandarinas de su finca. Pero sus casas se encuentran en medio de la contienda, y en una escaramuza bélica resultan heridos un checheno musulmán pro ruso y un georgiano de religión cristiana. Ivo se convierte así, involuntaria pero concienzudamente, en el buen samaritano que debe sanar las heridas de los cuerpos y –principalmente– de las almas de esos dos “enemigos íntimos”. Su austera casa será el improvisado hospital donde Ivo, como sabio alquimista, elaborará con sus hábiles manos las “pócimas” curativas. Sus serenas y firmes palabras harán el resto.

Por lo escrito hasta ahora podría dar la impresión de que “Mandarinas” es una película algo plana, pero nada más lejos de la realidad. El ritmo es intencionadamente reposado, pero contiene algunas impactantes escenas de acción y está recorrida por una notable tensión interna que engancha al espectador sin manipularlo. Por lo demás, el guión nos regala algunos diálogos memorables y nos desvela al final los motivos del comportamiento de Ivo.

Urushadze filma con solvencia y dirige muy bien a sus actores. En este sentido, buena parte de la credibilidad del film hay que adjudicársela a la interpretación del veterano Lembit Ulfsak, de una naturalidad apabullante y que puede traer a la memoria la de Richard Farnsworth en “Una historia verdadera” (David Lynch, 1999).

“Mandarinas” no es sólo un gran alegato contra la guerra, como también lo fue la oscarizada “En tierra de nadie” (2001), del bosnio Danis Tanovic. Aunque ambas películas tienen algún punto de similitud, estamos ante una obra más profunda e imperecedera. En las dos hay tragedia, como es inevitable cuando surge una guerra, pero “Mandarinas” no sólo es una llamada a la paz y al desarme, sino también al respeto, a la comprensión, a la necesidad de perdonar, a la esperanza… Una esperanza a la que da alas la evocadora canción del compositor georgiano Irakli Charkviani que suena en la última escena y que se puede escuchar aquí.

Juan Jesús de Cózar

"La casa del tejado rojo": las razones del corazón

“Una buena película rezuma encanto y fragancia”. La afirmación corresponde a Yoji Yamada, el octogenario –y sabio– director de cine japonés, en una entrevista a raíz de su último film, La casa del tejado rojo (2014), estrenado en España el pasado 10 de abril. Y, refiriéndose a los actores, continuaba: “Lo importante es conseguir que la cámara atrape sus pensamientos y estados de ánimo. Pienso en eso cuando ruedo, aunque son cosas difíciles de reconocer, de captar, por lo que me esfuerzo en sentirlas de forma consciente en el ‘aire’ de una escena. Quiero rodar para capturar la atmósfera y la esencia”.

Yamada es uno de los discípulos más aventajados del maestro Ozu –junto a Hirokazu Koreeda–, y sus películas se sitúan en las antípodas del vértigo de muchas producciones actuales: destilan elegancia, serenidad, delicadeza, contención… Tienen mucha ‘vida interior’, pero exigen una mirada contemplativa y reflexiva por parte del espectador, para percibir más allá de lo que se muestra. Quizá sea un cine en extinción –sólo para nostálgicos, según algunos críticos–, pero esto no deja de ser una mala noticia, porque la filmografía de Yamada tiene mucho que enseñar a las nuevas generaciones de directores. Basta recordar la magistral Una familia de Tokio, ya reseñada en este blog.

Basada en la novela homónima de Kyoko Nakajima, La casa del tejado rojo está construida sobre varios espacios temporales, siguiendo las memorias que la ya anciana Taki escribió con la ayuda de su sobrino nieto Takeshi. Este enfoque permite resaltar los contrastes entre las aspiraciones y costumbres japonesas durante los años previos a la Segunda Guerra Mundial y las del siglo XXI; entre el Japón imperialista –arrogante y luego derrotado–y el moderno estado nipón.

La joven Taki ‑excepcional Haru Kuroki, premiada en la Berlinale 2014‑ deja su pueblo en 1936 para servir en el hogar del matrimonio Hirai. Allí, en la hermosa casa del tejado rojo, vivirá unos años que marcarán el resto de sus días. Con su bondad, su abnegación y el amor de su corazón puro, velará por la felicidad de todos y sufrirá con los avatares de la familia; un sufrimiento que se hace extremo cuando su ama, la bella Tokiko (Takako Matsu), conoce al joven Itakura.

Más declaraciones de Yamada: “Es una historia acerca del pecado, pero también está la época en que transcurre. (…) La modesta alegría que muestra La casa del tejado rojo durante el periodo moderno de la era Showa, es destruido por la guerra que se acerca cada vez más. (…) La guerra es un pecado horripilante que destruye la felicidad de los seres humanos”. Y el director nos cuenta esa historia con un pudor y un gusto exquisitos, cargando las imágenes de significado y de poesía, y aprovechando la deliciosa banda sonora de Joe Hisaishi. Tal vez podría haber evitado algunas reiteraciones o demoras –el film se alarga hasta los 136 minutos–, pero ya se ha advertido que se trata de un cine que sólo se disfruta si se ve sin prisas.

“Si la película –concluye Yamada– inspira a los que la ven a sopesar qué es lo importante y qué no lo es, al comparar el presente con el pasado, me sentiría muy feliz”. Unas palabras que parecen eco de otras que dejó escritas la Nobel de Literatura Pearl S. Buck, buena conocedora de la mentalidad oriental: “Muchas personas se pierden las pequeñas alegrías mientras aguardan la gran felicidad”.

Juan Jesús de Cózar

Historia y Religión en el Cine

Acaba de aparecer en las librerías Cinema, Historia, Religión, un libro interesante tanto para los amantes del Séptimo Arte, como para los estudiosos de las relaciones Cine-Historia o Cine-Religión.

Los autores son dos grandes expertos en las tres materias que el título entrelaza. José María Caparrós, Catedrático de Historia Contemporánea y Cine en la Universidad de Barcelona, dirige desde 1983 el Centro de Investigaciones Film Historia y ha publicado más de 40 libros sobre historia del cine. Ferrán Blasi, Doctor en Teología por la Universidad Lateranense de Roma, es sacerdote y ha sido periodista, abogado y maestro; es autor de 8 libros, ente ellos: Los nombres de Cristo en la Biblia y Conocer la biblia.

El presente volumen analiza 23 películas de gran calado: desde El Evangelio según San Mateo (1964), de Pier Paolo Pasolini, o Un hombre para la eternidad (1966), de Fred Zinnemann, hasta Cristiada (For Greater Glory, 2012), Un Dios prohibido (2013) o la aún reciente Noé (2014), de Darren Aronofsky. En medio, grandes hitos del cine religioso, como La pasión de Cristo (2004), de Mel Gibson, o La Natividad (2006), de Catherine Hardwicke; y también biopics [Visión (2009), sobre santa Hildegarda; Prefiero el Paraíso (2010), sobre san Felipe Neri], documentales [El gran silencio (2005), Lourdes (2009), La última cima (2010)] y filmes que unen la biografía con la ficción [Encontrarás dragones (2011)]. Finalmente, tienen cabida también algunas películas “heterodoxas”, como Je vous Salve, Marie (1984), La última tentación de Cristo (1988) o Ágora (2009), que son analizadas con serenidad, rigor histórico y visión cristiana.

Como explica en el prólogo el crítico de cine espiritual Mn. Peio Sánchez “las relaciones entre el cine y la religión siempre han sido peligrosas”, tanto por la capacidad representativa del mundo audiovisual, como por la estrecha línea que separa la realidad de la ficción. Teniendo esto muy presente, parece claro que esta crítica cinematográfica, llevada a cabo por expertos, puede ayudar a los lectores por la profundidad teológica de su análisis, por la misma selección de las películas, y por el acertado contexto que rodea a cada filme: sus características como producción artística, y el perfil cinematográfico y personal de su director.

El interés por conocer el rostro de Cristo se manifiesta hoy en día en las películas: cada nuevo filme sobre Jesús levanta inevitablemente una ola de expectación y entusiasmo. Por eso no es de extrañar que 4 de los filmes analizados tengan como figura central a Jesucristo. Pero la vida de Cristo se continúa de alguna manera en sus seguidores. Por eso las vidas de santos son el segundo gran grupo de películas: porque hoy, como ayer, sus biografías despiertan un inusitado atractivo para las generaciones actuales.

El libro tiene un gran valor. Cinema, Historia, Religión es la primera obra en castellano que desarrolla esas dos temáticas (historias y religión) en el mundo del cine. Por eso consigue ser una guía muy especial para todo espectador cinéfilo interesado en el género cinematográfico religioso.

Diez películas para un cine-fórum sobre la Fe, la Ética o la Familia (Con guía para el profesor)

El cine puede ser un medio fantástico para educar en valores. En sus historias podemos apreciar el valor de la amistad, o la fuerza arrolladora del amor y de la esperanza, el impulso generoso a darse a los demás, o la maravilla de una familia que, a pesar de las dificultades, permanece unida y sale al fin adelante.

Por eso muchos profesores de Religión, de Ética o de Humanidades (materias que hablan de la felicidad y el comportamiento humano) encuentran en el cine-fórum un instrumento educativo de primer orden.

Aquí ofrezco un listado de películas que han servido a diez profesores de Primaria y Secundaria para mantener un cine-fórum con sus alumnos. Son experiencias contadas por el propio profesor: nos habla del objetivo planteado, del esquema que proporcionó en clase, de las actividades realizadas y de cómo los estudiantes sacaron provecho del filme.

Estos esquemas de cine-fórum los he sacado de Cauces de Intercomunicación, una revista eminentemente práctica para el Profesorado de Religión que ha editado el Instituto Superior de Ciencias Religiosas de la Universidad de Navarra entre 1995 y 2008. Entre sus propósitos estaba el de "Ayudar a los profesores de Religión a través de experiencias realizadas y redactadas por compañeros". Estos son diez cine-fórum interesantes que he encontrado allí:

1. Una historia del Bronx (Robert de Niro, 1993) (Guía)
- Temas: Virtudes morales, madurez, adolescencia, familia
- Curso: 3º de ESO a 2º de Bachillerato

2. Los miserables (Billie August, 1998) (Guía)
- Temas: Libertad, responsabilidad, diginidad de la persona
- Curso: 1º y 2º de Bachillerato

3. Karol (Pietro Valsecchi, 2005) (Guía)
- Temas: Cumplir la voluntad de Dios, seguir su llamada
- Curso: 4º de ESO a 2º de Bachillerato

4. Tierras de penumbra (Richard Attenborough, 1993) (Guía)
- Temas: Dolor y amor, sacrificio y felicidad
- Curso: 4º de ESO a 2º de Bachillerato

5. La vida es bella (Pietro Valsecchi, 2005) (Guía)
- Temas:Noviazgo, familia, amor a los hijos
- Curso: 4º de ESO a 2º de Bachillerato

6. La fuerza de uno (John G. Avildsen, 1992) (Guía)
- Temas: Amor como donación, necesidad de la coherencia
- Curso: 3º - 4º de ESO

7. El show de Truman (Pietro Valsecchi, 2005) (Guía)
- Temas: El sentido de la propia vida, libertad y autodeterminación
- Curso: 4º de ESO a 2º de Bachillerato

8. El hombre sin rostro (Pietro Valsecchi, 2005) (Guía)
- Temas: Educación y virtudes, familia y amistad
- Curso: 3º de ESO a 2º de Bachillerato

9. El jorobado de Notre Dame (Pietro Valsecchi, 2005) (Guía)
- Temas: Conciencia, libertad, verdad, oración
- Curso: 4º de EP a 2º de ESO

10. Matrix (Pietro Valsecchi, 2005) (Guía)
- Temas: Bases éticas de la existencia: naturaleza, trascendencia, verdad
- Curso: 4º de ESO a 2º Bachillerato + Formación Profesional

"La vida humana a través del cine": un gran libro para cine-fórum

Las profesoras universitarias Gloria Tomás y María Consuelo Tomás, hermanas, han publicado el libro “La vida humana a través del cine”, subtitulado “Cuestiones de Antropología y Bioética” (Eiunsa, Pamplona, 2012). Es la cuarta edición ampliada y actualizada de un libro cuya publicación inicial y más reducida fue en 2004.

A través de 112 películas las dos profesoras hacen un amplio repaso a temas cruciales de la persona, como su dignidad, el valor de la vida humana, la intimidad y la trascendencia, el mundo de los valores, la libertad como autodeterminación, los afectos y el mundo sentimental, la corporalidad y la fragilidad humanas, la sexualidad, las relaciones interpersonales en la familia, la amistad y el trabajo. No dejan de lado tampoco aspectos como el aborto, la eutanasia y el suicido, la violencia, las biotecnologías o la ecología.

Las profesoras Tomás ponen en evidencia como el cine puede ser un vehículo de gran utilidad para educar a propósito de cualquier tema, y hacerlo, además, de una manera amena, didáctica y profunda. Porque los filmes son de todas las épocas: clásicos, como Candilejas o Matar a un ruiseñor; películas familiares, como La vida es bella o Matrimonio de conveniencia; peliculas para el debate, como El club de los poetas muertos o El show de Truman; y dramas con cierto fondo, como Cadena perpetua o Gladiator.

El libro puede ser útil a cualquier persona interesada en el cine o en la educación, empezando por los padres y madres de familia, pero lo es de manera especial para quienes de una u otra manera formen a los jóvenes o se encarguen de actividades culturales. Puede ser útil para el colegio, los clubes juveniles, los centros cívicos, los colegios mayores, las parroquias, las organizaciones sociales y culturales, etc.

En el prólogo a esta edición las autoras exponen el deseo de que “la persona sea la auténtica protagonista de cada película, de cada capítulo del libro, de sus consecuencias en la vida”. Citando al director polaco Krzysztof Zanussi señalan que “los valores no cambian, lo que varía es la forma de ejemplificarlos”.

Ambas profesoras son autoras de diversos libros. Gloria Tomás es catedrática de Bioética en la Universidad Católica de Murcia, donde dirige el Master Oficial de Bioética, y doctora en Farmacia. María Consuelo Tomás es doctora en Ciencias de la Educación y profesora de Educación y Antropología y directora de los Simposios de Cine de la Universidad Católica de Valencia.

Sin duda, un libro de cabecera para todo amante del Séptimo Arte. Ahora, que están relanzándose muchos filmes clásicos por televisión, puede servir también para preparar un buen visionado familiar, o una "noche de cine" entre amigos.

"Bible Films": un blog profundo sobre el cine bíblico

Como señalé en el post inicial de este blog, no he hallado en lengua castellana ningún otro blog dedicado a analizar la figura de Jesucristo en el cine. Hay portales donde se venden películas religiosas y webs que distribuyen material audiovisual, como la recientemente abierta Vaticanum.com, queofrece los más variados productos (impresos, audiovisuales, etc.) sobre la Iglesia y el mundo católico.

Hoy quiero hablaros de una página que desde hace seis años viene trabajando en el Reino Unido la temática de los “filmes bíblicos”. Se trata de Bible Films, un blog de Matt Page, encargado de la gestión económica de la iglesia protestante Open Heaven Church y –más importante que eso- miembro del Faith and Film Critics’ Circle. Desde esa plataforma, escribe regularmente reseñas de películas para http://www.rejesus.co.uk/ y otras webs semejantes. Ha pronunciado numerosas conferencias sobre la materia y dirigido numerosas sesiones de cine-fórum sobre “Jesus in films”. También fue consultor del documental The Passion : Films, Faith and Fury, para el Canal 4 de Gran Bretaña.

Su blog Bible Films pasa por ser la más documentada fuente en Internet sobre el cine bíblico. Y aunque algunos artículos evidencian su perspectiva protestante, el 90% de los artículos son ciertamente muy interesantes. A mi me enorgullece haber sido citado por él en diversos artículos. En su blog podéis encontrar abundante y selecta información acerca de las películas sobre Jesús.

Libros, listados y artículos sobre la imagen de Jesucristo en el cine

Hace unas semanas, en un comentario a una de las entradas, Martín me pidió un elenco bibliográfico sobre “Jesucristo en el cine”; pero –me decía- un listado sencillo, accesible a todos.

Para que Martín pueda realizar esa investigación que se propone, y para que todos podáis ampliar vuestros conocimientos en esta materia (la que nos convoca en este blog), os adjunto una relación de documentos en español y francés que podéis localizar con facilidad. Más adelante ofreceré una lista específica con textos en inglés. Se incluyen por orden alfabético y están divididos en dos bloques: Listados de películas sobre Jesús y Ensayos sobre Jesucristo en el cine. Ya veis que, aunque no de forma inmediata, procuro siempre atender vuestras peticiones.

a) Listados de películas:

- DeCine21: listado con “Las cien mejores películas sobre el cristianismo”, cada una de ellas enlazadas a una reseña crítica.

- Prof. Enrique Martínez-Salanova: Página web sobre “La vida de Jesucristo en el cine”: historia de los filmes sobre Jesús y listado final.

- Pantalla 90 de la Conferencia Episcopal: Listado "Jesucristo en el cine". Incluye 4 listados: vida de Jesús, filmes de inspiración bíblica, contexto histórico del cristianismo y seguidores de Cristo.

- Arts and Faith Discussion Forum: Listado “Top 100 Spiritually Significant Films”, elaborado por filósofos y teólogos de distintas confesiones cristianas.

b) Ensayos sobre Jesucristo en el cine:

AA.VV. (2004). Una guía de la pasión. Cien preguntas para reflexionar sobre la película ‘La Pasión de Cristo’, Palabra, Madrid.

AGEL, Henri (1985). Le visage du Christ à l’eécran, Cerf, Paris.

FIESTAS, Eulalio (2005). “Una relectura de la Pasión: Mel Gibson y Ana Catalina Emmerich”; en G. Aranda y J. L. Caballero (coords.), La Sagrada Escritura, palabra actual. XXV Simposio Internacional de Teología, Serv. Publicaciones Universidad de Navarra, pp. 191-200.

GARCÍA, Javier (2004). “El rostro de Cristo en el cine”, en: Ecclesia, vol. XVIII, nº 2, pp. 165-178.

MALONE, Peter (1998). “Jesús en nuestras pantallas”, en: May, J. R. (ed), La nueva imagen del cine religioso, Universidad Pontificia de Salamanca, pp. 95-113.

MARTIN, Jerónimo José (2007). “Modelos de familia en el cine contemporáneo”, en: Carthaginensia: Revista de estudios e investigación, Vol. 23, Nº 44, 2º Semestre, pp. 431-443.

MÉNDIZ, Alfonso (2008). “La imagen de Jesucristo en el cine”, en: Nuestro Tiempo, nº 645, Marzo 2008, pp. 56-71.

ORELLANA, Juan (2005). “La fuerza de la Biblia en el cine”; en: G. Aranda y J. L. Caballero (coords.), La Sagrada Escritura, palabra actual. XXV Simposio Internacional de Teología, Serv. Publicaciones Universidad de Navarra, pp. 183-190.

ORELLANA, Juan (2007). Como en un espejo. Drama humano y sentido religioso en el cine contemporáneo, Ediciones Encuentro, Madrid.

PEREIRA, Carmen (2005). Los valores del cine de animación. Propuestas pedagógicas para padres y educadores, PPU, Barcelona.

PRIGENT, Pierre (1997). Jésus au cinéma, Labor et Fides, Genève.

RODRÍGUEZ ROSELL, Mª del Mar (2002). Cine y cristianismo, Universidad Católica de San Antonio, Murcia.

SÁNCHEZ RODRÍGUEZ, Pedro (2007). Dios, la muerte y el más allá en el cine contemporáneo. Una mirada a las películas con ojos de fe, Ediciones PPC, Madrid.

SÁNCHEZ RODRÍGUEZ, Pedro (2006). La vida es bella. Catálogo sobre Cuestiones de Escatología en el cine contemporáneo (1990-2005). Agora RIIAL. Espacios de Estudio, Formación y Diálogo Interdisciplinar; disponible en: http://www.riial.org/espacios/cinecat/catalogo.php

VAQUERO, María (2008). “La iconografía de Jesús Cristo. Un recorrido por la Historia del Cine”; en: http://oolhodahistoria.org/artigos/CONGRESO-iconografia-jesucristo-maria-argeles.pdf

VILLAPALOS, Gustavo y SAN MIGUEL, Enrique (2002). Cine para creer, Planeta-Testimonio, Barcelona.

ZEFFIRELLI, Franco (1980). Jesús de Nazaret. Todo sobre mi película, Noguer S. A., Barcelona.

El artículo “Dios, Haití y los barberos”, reproducido en Internet y traducido al inglés

 No salgo de mi asombro. Cuando este blog empezó a dar sus primeros pasos, jamás pensé que alguno de sus artículos sería reproducido en otros blogs y en páginas web, y mucho menos que alguien se molestaría en traducir y difundir alguno de los post. Pero eso es justamente lo que ha sucedido.

Primero me llegó la noticia de que mi artículo “Los Reyes Magos: historia, tradición y cine” había sido publicado en la web de la COPE. Y me alegré, porque aumentó las visitas a mi página en los días siguientes y porque muchas personas me escribieron para contarme lo que habían descubierto.

Después supe que el artículo titulado “¿Debemos quitar todas las cruces? (La esfera y Chesterton)” había sido reproducido en la web de la Asociación Ronda 80 y en algunas Newsletters sobre temas de comunicación, cultura y actualidad: como Siena, que llega a más de tres mil personas (suscripción: imartinez@compositor.org). Más tarde el boletín “Análisis y Actualidad” (que se envía a 15.000 suscriptores de toda Latinoamérica; suscripción: jem@arcol.org) me pidió permiso para reproducir artículos en el futuro: empezó por “El sacerdote en el cine” y no sé si luego ha continuado con otros. La última noticia es que Catholic.Net ha reproducido el post que dediqué al “Proyecto cinematográfico sobre La Resurrección de Cristo”, al igual que “Análisis y Actualidad”.

Pero quizás lo más sorprendente ha sido el eco del artículo titulado “Dios, Haití y los barberos”. Que me hayan notificado algunos de mis lectores, ha sido reproducido en El blog de Nuria Chinchilla, en la Web Almudi.org, en el blog Predicanet y en la página Moral y luces.

Por si fuera poco, me escribe una amable periodista filipina –en un correctísimo castellano- y me dice que le ha encantado el artículo y me pide permiso para traducirlo y publicarlo en una web de información cultural y doctrinal. Lo manifiesta con tanta amabilidad –y la traducción que presentaba era tan buena: todo hay que decirlo- que no pude negarme. Más aún: le dije que me parecía fantástico.

Espero que todo esto sirva para que muchas personas descubran el verdadero rostro de Cristo. Como decía en un comentario reciente, daré por bien empleados todos los esfuerzos de este blog si en algo contribuye a que la gente pueda conocer y amar a Jesucristo. En respuesta a una observación de AcademiaIdiomas, señalaba que “el cine, desde luego, puede ayudarnos a verle como Hombre: es Dios, sí, pero también nuestro Amigo; y podemos ver su rostro, y descubrir sus llagas, y acariciar su cara cuando es Niño”.

Que entre todos me ayudéis a hacer realidad este ilusionante proyecto.

Las mejores películas sobre Jesús de Nazaret

Han sido muchos los críticos que han elaborado su “lista de películas” sobre la vida de Cristo. Por eso, antes de ofrecer la mía, quiero hacer una breve mención de algunos listados ya disponibles en Internet.

En DeCine21 puede encontrarse un elenco con “Las cien mejores películas sobre el cristianismo”. Ese elenco tiene a su favor la amplitud: prácticamente recoge todas las cintas importantes sobre la materia, pero se echa en falta una cierta criba: allí aparecen desde filmes muy acertados y de calidad junto a otros de vuelos más cortos y de menor fidelidad en el retrato de Jesucristo.

Más depurada, aunque igualmente ambigua en el criterio de selección, es la lista publicada por el Arts and Faith Discussion Forum: “Top 100 Spiritually Significant Films”. Las películas que incluye ofrecen calidad, pero a la vista de los títulos recogidos permanece la duda acerca de qué se entiende por películas “espiritualmente significativas”.

Un elenco más reducido y manejable es el que ofrece la web de la Conferencia Episcopal ("Jesucristo en el cine") donde aparece una lista de 15 filmes sobre Jesús, junto a tres listados más: películas de inspiración bíblica, contexto histórico del cristianismo o los seguidores de Cristo. Aunque algo desfasada (el último filme citado es de 1994), tiene sin embargo a su favor el breve y atinado comentario que acompaña a cada título y que ayuda a valorar su contenido.

Conviene señalar que no siempre la calidad fílmica y la fidelidad a Jesucristo aseguran que una cinta gustará a todos los públicos. Hay películas mudas espléndidas que buena parte de los espectadores digerirían con notable dificultad, y otras de los años cincuenta y sesenta que han quedado un poco anticuadas por cuestiones de sensibilidad. No obstante, hay tres filmes que considero plenamente válidos para una audiencia contemporánea, en cada caso señalaré el porqué. Son, por este orden:

a) La Pasión de Cristo, de M. Gibson: por su excelente recreación histórica, su imponente retrato de la Virgen, sus acertados flash backs y, sobre todo, por hacernos caer en la cuenta del inmenso amor hacia los hombres que Jesús manifestó en su pasión y muerte.

b) El hombre que hacía milagros, de S. Sokolov: por su imagen de Jesús, divina y humana al mismo tiempo; ese Jesús cercano y amable con los niños, amigo de sus apóstoles y de Marta, María y Lázaro tiene una humanidad rara vez vislumbrada en la pantalla.

c) Jesús de Nazaret, de F. Zeffirelli: por su cuidada fidelidad a los Evangelios, su acercamiento al mundo judío, la caracterización de Jesús por parte de Robert Powell y, finalmente, por la riqueza de historias y personajes en cada uno de los doce apóstoles.

Y ahora, mi listado. Desde una perspectiva histórico-cronológica, estas son las diez películas que considero más adecuadas en el acercamiento a Jesús de Nazaret. En cada una señalo el director (D) y el actor que encarnó a Jesús (J).

1. Vida y pasión de Nuestro Señor Jesucristo (Francia, 1907). D: Ferdinand Zecca. J: ¿?. La primera gran película sobre Jesús, rodada durante más de 3 años, con un notable esfuerzo de composición pictórica. Coloreada fotograma a fotograma. 44 min.

2. Rey de Reyes (USA, 1927). D: Cecil B. DeMille. J: Henry Bryan Warner. Una obra cumbre del cine mudo, y la primera gran superproducción sobre la vida de Cristo. Lo más interesante: la reacción de los personajes al ver actuar al Maestro. 155 min.

3. Gólgota (Francia, 1935). D: Julián Duvivier. J: Robert Le Vigan. La primera película hablada. Aunque modesta, mantiene el ritmo con un guión rico en matices que hace ver los sentimientos de Jesús en cada momento. El Maestro aparece aquí en una faceta más humana que en otros filmes anteriores. 95 min.

4. Rey de Reyes(USA, 1961). D: Nicholas Ray. J: Jeffrey Hunter. Narra la vida pública del Señor en el contexto político de la dominación romana. Recreación histórica, más que reflexión sobre Jesús, que muestra los temas preferidos del director: libertad, pacifismo, inconformismo. 163 min.

5. El Evangelio según San Mateo (1964). D: Pier Paolo Passolini. J: Enrique Irazoqui. Basado en el texto de S. Mateo, se rodó cámara en mano, en el mejor estilo del «cinema verité». Muestra a un Cristo “autentico, cercano, austero, con fuerza en la mirada y palabra de fuego para explicar a los hombres el mensaje de la salvación” (Eduardo Gil). 137 min.

6. La historia más grande jamás contada (USA, 1965). D: George Stevens. J: Max von Sydow. La actuación del protagonista influyó muchísimo en las posteriores interpretaciones de Cristo. Muy expresiva, aunque algo misticista, su creación del personaje es lo más sobresaliente del filme. Una de las cintas más conocidas. 141 min.

7. Jesús de Nazaret (Italia, 1977). D: Franco Zeffirelli. J: Robert Powell. La más fiel a los Evangelios y la más proyectada durante la Semana Santa. Para muchos, la mejor biografía de Cristo, en la que resaltan las fuertes caracterizaciones de los Apóstoles. Aúna rigor histórico y costumbrismo preciosista en el retrato de ambientes. 371 min.

8. Jesús (Italia, 1999). D: Roger Young. J: Jeremy Sisto. Miniserie para la RAI que ha triunfado sobre todo en Estados Unidos. La figura más humana de Jesús: ríe, bromea, ama y sufre, y le vemos amigo de sus discípulos. 231 min.

9. El hombre que hacía milagros (Inglaterra-Rusia, 2000). D: Stanislav Sokolov. La mejor película de animación, contada desde el punto de vista de una niña: la hija de Jairo, que Cristo resucita en la escena cumbre del filme. Sorprende por la expresividad de los personajes animados. 90 min.

10. La pasión de Cristo (USA, 2004). D: Mel Gibson. J: Jim Caviezel. Fruto de la conversión personal del director, muestra con realismo y crudeza los tormentos que sufrió Jesús: los azotes, la subida al Calvario, la crucifixión. Vemos el papel de María en la Redención y su especial sintonía con su Hijo. La que más ha influido en el público. 126 min.